Descubrí a este grupo hace tiempo en un tributo a Radiohead. Concretamente en la que interpretan una versión, posiblemente una de las más bellas que haya escrito Thom Yorke, Exit Music (For A Film). El disco tributo se llama Exit Music Songs With Radio He. Quien la haya escuchado (tanto la versión como la original) seguro que entiende un poco porque me gustan tanto estos grupos. Pues bien, hace unos dias que descubierto un poco más a The Cinematic Orchestra.

En la red no hay mucha información sobre el grupo. The Cinematic Orchestra es un grupo inglés formado en 1999 por Jason Swinscoe, DJ PC (Patrick Carpenter), Tom Chant que toca el saxo y los teclados, el bajista Phil France y Daniel Howard a la batería. El estilo del grupo lo podríamos definir o clasificar dentro del género Jazz contemporáneo, aunque este es un calificativo muy general, siempre ayuda para identificar que es lo que vamos a descubrir. Hay una mezcla muy interesante, por una parte tenemos la electrónica que es un elemento que siempre suele estar, sobretodo por las programaciones que efectua Jason Swinscoe. Por otra parte también existe un poco de trip-hop, todo esto unido a la influencia de las bases Jazzisticas y a la gran devoción por las bandas sonoras, nos lleva a entender un poco que es lo que nos encontraremos en los discos de este grupo.

La historia de Ma Fleur es realmente curiosa. He leído que Jason Swinscoe empezó a escribir algunas canciones que poco después se las pasó a un amigo, este las escuchó y empezó a escribir un guion y se lo volvió a pasar a Jason. Con ese guión Jason volvió a re-escribir algunas de las canciones y volvieron a intercambiar. El resultado fue una pequeña historia musical, a la que le faltaban imágenes, pero que al menos la banda sonora ya existía. Todo el disco está unido, como si de un film se tratara. Algo conceptual quizás, pero que resulta muy placentero y su linealidad está bien concebida. Resulta extraño encontrarse con esta especie de banda sonora como si fuera para un película, en el que las letras de las canciones fueran el dialogo interpretados por los artistas invitados. Estos son de una talla muy grande. Por un lado tenemos al canadiense Patrick Watson que interviene en tres canciones. Por otro lado tenemos a la fragil voz de Fontella Bass que interpreta dos canciones y la de Lou Rhodes que al igual que Fontella también interpreta dos temas y que es la voz con la que se cierra el disco.

Hoy voy a hablar de una banda que me tiene enganchado. Of Montreal y su disco Hissing Fauna, Are You The Destroyer?. Una mezcla, por decirlo de algún modo, de expresionismo folk, electrónica de vanguardia y mucho pop al desnudo. Esa mezcla, que nos seduce nada más empezar el disco, tiene una historia detrás. Yo he notado pequeñas dosis marcianas, muy a lo David Bowie, y muchos elementos de psicodélia. Quizás haya sido esto por lo que me haya entrado el disco a la primera escucha. Llevo ya varias semanas escuchándolo, no me canso de hacerlo. Es uno de los destacados del año y seguro que coparán posiciones altas en las listas de lo mejor del año. Aunque para eso queda aún mucho tiempo…

Kevin Barnes, compositor de la banda, comentó en una entrevista que este nuevo disco tiene mucha autobiografía detrás. Todo empezó cuando Kevin Barnes tuvo una hija. Decidieron trasladarse a Oslo, ciudad originaria de su mujer, para poder disfrutar de mayores ayudas sociales. Este cambio de aires no le sentó muy bien a Barnes, ya que empezó a sentir asfixia, varias crisis de ansiedad y paranoia, todo ello causado por este cambio repentino de vida, la nueva cultura y estar separado de su familia y amigos. Fue un duro golpe trasladarse a Oslo causa de que surgieran esos problemas. En ese estado “mental” escribió varias letras del disco, que corresponden -la mayoría- a la primera parte. Posteriormente se volvieron a mudar a Athens. Una vez allí, vió que volvía a ocurrir lo mismo que en Oslo. Otra vez el cambio de vida acabó por derrumbarlo. Finalmente se separó de su mujer (y de su hija) que volvieron a Oslo. Fue en ese momento cuando escribió la segunda parte del disco, mucho más melancólica en lo que letras se refiere.

Un disco lleno de temazos, unidos cada uno de ellos sin pausas como si fueran un álbum conceptual. Un buen ejemplo lo es Cato As A Pun, un tema lleno de vitalidad y que posiblemente es el mejor del disco. La voz chillona de Barnes en Gronlandic Edit hace que escuchemos una de esas escaleras musicales tan características de Bowie (a lo Fame). Pero una de las que sorprenden es la inacabable The Past Is A Grotesque Animal de casi 12 minutos de bucles y samplers. Con una base post-punk, llena de improvisación, psicodélia, coros sampleados en falsete, que si son capaces de plasmarla en directo puede ser un clímax difícil de superar. Por algo es mi favorita.

Yo no se lo que pasa en la ciudad de Athens, Georgia. De allí salieron R.E.M., los B-52, … y ahora aparecen Of Montreal. Aunque este sea ya su disco número 10, con el se están dando a conocer por todo el planeta. Las propuestas que salen de esa ciudad son muy variopintas. Y Of Montreal es una de ellas, inclasificable.

El otro día me llegó el típico mail de noticias del FIB 07. En el había una link/oferta que te llevaba a la tienda del FIB por si querías comprar algún articulo. Resulta que están (creo que aún está la oferta) los DVDs y los CDs recopilatorios a 7€ cada uno. Una “ganga”, teniendo en cuenta que normalmente estos recopilatorios suelen salir bastante caros. Los recopilatorios llevan 4Cds y los DVDs vienen con 2 discos. Así que encargue los tres DVDs que había en oferta, los del 2003, 2004 y 2005. Hay un montón de actuaciones en directo, entrevistas y hasta algún que otro documental. Hoy me ha llegado el paquete, bueno llegó ayer pero como siempre correos me puso el papelito para que me pasara yo mismo a recogerlo. Aún no he visto nada pero creo que seguro que está interesante. Por si a alguien le interesa nada más tiene que ir a la web del FIB (Festival Internacional de Benicassim). Algunos de los artistas internacionales que salen en los DVDs: Lou Reed, Primal Scream, Scissor Sisters, Teenage Fanclub, Tindersticks, Lambchop, Blur, Calexico, Moby, Múm, Suede, Franz Ferdinand, Wire, The Dandy Warhols, Super Furry Animals, The Cure, Kaiser Chiefs, Richard Hawley, The Tears, Maxïmo Park, … y los artistas nacionales: La Habitación Roja, Sr. Chinarro, Migala, Deluxe, Manta Ray, Sexy Sadie, Cooper, Fangoria, Los Planetas, The Sunday Drivers, …

Posiblemente la canción superior a 20 min. más interesante de Pink Floyd (sin menospreciar Echoes). Y es que el que el disco Atom Heart Mother de Pink Floyd abre con esta canción (de mismo título). Sin duda la pieza es toda una oda al rock progresivo, alejándose quizás un poco del rock psicodélico, tan característico de la banda en aquella época. Los coros que aparecen en minuto cinco y medio y que permanecen un buen puñado de minutos parecen sacados de una iglesia y funcionan como un instrumento más. Cada miembro del grupo tiene su protagonismo, como si en todo el tema fuera pequeñas partes de cada uno. La guitarra de Gilmour, el bajo de Waters, los teclados de Wright y hasta los ritmos de batería de Mason tienen su peculiar protagonismo.

Las trompetas. Son tan características que uno al escucharlas le viene a la mente esa vaca en la portada. Y que naturalmente también le dan ese toque Western a la canción, que quizás son cosas mías, pero que a mi me recuerda mucho al gran Ennio Morricone. La orquestración viene a cargo de Ron Geesin, aunque la mala relación que tuvo con la banda hizo que abandonara el proyecto antes de terminarlo. Yo creo que la orquestración es lo que le da al tema profundidad y fuerza, junto a los coros, y es quizás la que la aleja un poco de la psicodélia.

El resto del disco lo forman la canción compuesta por Roger Waters titulada If, sencilla y con una de las mejores letras que ha escrito. El tema Summer ’68 fue compuesta por Richard Wright y contiene elementos orquestales del primer tema y un piano brillante. Fat Old Sun fue compuesta por David Gilmour y ha sido utilizada por este en sus giras en solitario. A mi me encanta esa canción, sencilla y la voz de Gilmour parece que esté cantando una nana. El solo final de guitarra es genial, toda la canción hace un pequeño crescendo memorable. Y el disco termina con la psicodélica (esta si) Alan’s Psychedelic Breakfast. Con los sonidos de la cocina de Nick Mason como protagonista. La canción dura 13 minutitos.

Cosas curiosas del álbum? Pues bien, la primera es que Alan Parsons sería el asistente de sonido en esa grabación. Es curioso como, pasados unos años, lograria ser uno de los técnicos de la grabación del Dark Side Of The Moon. Uno de los principales genios (poco recordado) de la edición de y grabación de ese álbum de culto. El nombre de la vaca de la portada es Lulubelle III y fue fotografiada por Storm Thorgerson, que dicen que fotografió lo primero que vio. Una portada que según los miembros de la banda quisieron mostrar algo cotidiano y alejarlo un poco de las anteriores portadas psicodélicas. Creo que en el momento en que surgió el álbum esa vaca significó más psicodélia de lo que ellos realmente buscaban.

Nunca olvidaré en mi vida el concierto que asistí el 27 de Julio del 94 en el Estadi Olímpic de Barcelona. Fue sin Roger Waters si, pero ahora tengo la oportunidad (¿la última?) de quitarme esa espinita clavada de no haber visto a Waters en concierto. Este mes de Abril, para ser exactos. En definitiva, este disco es uno de los más interesantes de Pink Floyd y quizás poco conocido. Aunque ahora que digo interesantes, ¿acaso tienen Pink Floyd algo que no sea interesante?

Rescato esta crítica que escribí justo cuando salió el disco hace ya unos años en AltaFidelidad.org. La pongo en el blog, porque hace poco he vuelto ha escuchar el disco y me hace gracia como escribía hace tiempo (mal, xD). De todas maneras el disco se merece todo un post y la banda se merece aún más. Este año nos visitarán en el Summercase 2007, esperemos que vengan con más confeti, serpentinas y ganas de hacernos felices, al menos…esa noche.

Nuevas fórmulas, nuevos registros, nuevos horizontes… Después de un “The Soft Bulletin” (1999) que ha marcado un antes y un después en la discografía de los Flaming Lips, llega un “Yoshimi Battles The Pink Robots” (2002) que supera con creces su anterior álbum. Es un disco diferente, otra filosofía, otro rumbo. Y es que una vez llegas a la cima, tienes que plantearte otras metas, y eso es lo que han hecho los chicos de Oklahoma, han subido otro peldaño mas hacia la perfección.

El disco es redondo, de arriba a bajo. “Fight Test” abre el disco, un tema que recuerda ese “The Soft Bulletin” en la lejanía y que nos abre las puertas hacia lo desconocido. Samplers, Bajos predominantes, baterías programadas, todo un conjunto sonidos mezclados entre si es el resultado de un disco impecable. “In The Morning Of The Maficians” es quizás la canción mas bella del disco. La voz de Coyne hace que nos sumerja dentro de una burbuja donde el tiempo no pasa, donde los problemas desaparecen. Como también pasa en “Are You Hypnotist” un claro ejemplo de virtuosidad musical. Y no nos olvidemos del primer single “Do You Realice?” una canción de lo mas alegre y jovial, parece sacada de la manga en un arrebato a sorprender al oyente. Un disco lleno de magia que nos demuestra una vez más que un grupo puede crear otra obra maestra.

He tenido la oportunidad de escuchar el Ep que ha sacado este año, en formato ep, el señor Josh Rouse junto a su compañera sentimental Paz Suay. She’s spanish I’m american (2007) es el título del Ep, que tiene un total de 5 canciones y fue grabado en el apartamento de Altea en Valencia. Después enviaron todo el material a su amigo y colaborador Daniel Tashian, de Nashville, para que le añadiera instrumentos y puliera las canciones. Este Ep salió primero en las tiendas digitales (iTunes) a finales del 2006 pero no ha sido hasta este mes que se ha editado en formato Ep físico.

Car Crash es la primera canción y single del ep. Una canción llena de ritmos, en algunos momentos nos recuerda un poco a playeros (tirando a surferos o hawaianos) y en la que las dos voces se unen en coro para cantar la canción. Jon Jon por el contrario tiene una presencia más dedicada a la voz de Suay, cuya voz Josh Rouse comentaba en unas declaraciones: “Pensé que seria divertido hacer alguna cosa con Paz porque me gusta mucho su voz, me gustan las cantantes femeninas con acento y tenia algunas canciones que creía que sonarían bien con su voz.” Una de las canciones que más me han gustado de este Ep ha sido sin duda The Ocean Always Wins que es quizás que más suena a Rouse. En este tema también el protagonismo de Paz Suay es considerable, aunque Rouse hace los coros. El resto de álbum lo forman These Long Summer Days y Answers. La primera de ellas es otro dúo de la pareja, una canción mucho más lenta, tipo baladita con sonidos suaves y unos coros de fondo bastante trabajados. Y la segunda de ellas, Answers, posiblemente la más floja del disco, con estrofas cantadas por separado y con una base rítmica bastante horrorosa.

En definitiva el Ep nos sirve para escuchar la voz, mas que aceptable, de la “señora Rouse” y poco más. Quedamos a la espera del nuevo trabajo de Josh Rouse, que según se comenta podría salir este mismo año 2007 junto con una retrospectiva del artista en formato recopilatorio.

Uno de los grupos que, a raiz de verlos en varias listas de lo mejor del 2006 y de su incorporación en el cartel del Primavera Sound 2007, me han llamado la atención. Es por eso que últimamente vengo escuchado su disco Yellow House (2006). Y la verdad es que me ha sorprendido, por su experimentación, por intentar de jugar con las melodías, las voces y los instrumentos. Tengo entendido que son muy fanáticos de los Beach Boys y de los Mercury Rev y eso queda un poco reflejado en su música.

Edward Droste ya había experimentado en su disco debut. Horn of Plenty (2004) era un disco lleno de sonidos folk casero. Y el cambio, con debut con la discográfica Warp, ha sido grande ya que ha sido en formato grupo. Con el apoyo del multi-instrumentista Christopher Bear y con la ayuda también de Chris Taylor y Daniel Rossen. O lo que es lo mismo, el formato grupo le ha venido muy bien a Droste.

Yellow House es un viaje a la experimentación, a la psicodélia más hechicera. Cercanos a Animal Collective, Grizzly Bear llegan quizás con más serenidad y se aferran en varios momentos a lo clásico sin dejar de sonar novedosos. Knife es una canción preciosa, en la que se nota (y mucho) su admiración por Brian Wilson. Colorado es otra de las mejores piezas de este álbum, una mezcla de atmósferas y sonoridades que va a caballo entre el jazz más contemporáneo y experimental hasta la harmonia más pautada.

Aunque tengo que reconocer que mucho camino me queda personalmente para descubrir el nuevo disco de Grizzly Bear, puedo decir que lo poco que he percibido de estos jovenes genios es que aun les queda mucho camino por recorrer y como dice el tópico es quizás su primer disco como grupo serio. El verdadero examen lo tienen sin duda en su siguiente trabajo, del que estaremos muy atentos.

El nuevo disco de los canadienses Arcade Fire está causando una reacción contradictoria. Para algunos el nuevo disco, que saldrá el 5 de Marzo en Europa (6 de Marzo en Estados Unidos), es una decepción, para otros (en los que me incluyo) es todo un acierto. Y es que muchos esperaban un Funeral 2 y la realidad es mas bien otra.

En Funeral (2004), la unión de todos los temas venía por la experiencia que tuvieron los miembros de la banda al perder a algún ser querido durante la gestación del álbum. Esa tristeza, esa oscuridad, la muerte como pensamiento rondando en las cabezas de todos los integrantes de la banda, fue clave al grabar es disco debut. En mi opinión ese disco es ya todo un clásico moderno y estoy seguro que será idolatrado en un futuro no muy lejano. Neon Bible (2007) es muy diferente. Es una evolución nata de una de las mejores bandas que actualmente existen, sobretodo por su creatividad y su buen hacer encima de los escenarios. La pareja creadora, Win Bulter y Régine Chassagne, han compuesto un conjunto de canciones dramáticas que rozan en algunos casos calificativos demasiado astronómicos, que han enamorado a un servidor des del principio. Mucha emoción he sufrido al escucharlas.

El nuevo disco está lleno de buenos temas. El mejor de ellos (y ojo, puede que aspirante a mejor tema del año) sea Intervention. Con un gran órgano de iglesia en su base, nos ofrece todo un conjunto de sonoridades, unos violines que van increscendo hacia el final y unos coros que poco a poco van teniendo protagonismo detrás de la voz principal. Y que bonito queda esa rever de iglesia, del que ellos mismos dicen que es un instrumento más. La letra es simplemente trágica:

Trabajando para la iglesia mientras mi familia muere.
Tu hermana pequeña va a perder la cabeza.
Cada chispa de amistad y amor morirá sin esperanza.

Por lo que he leído en varias entrevistas y reportajes de la banda, al parecer han comprado una vieja iglesia en las afueras de Montreal que han convertido en un estudio de grabación y que han utilizado para algunos de los temas de este nuevo disco.

En la cinta, han incluido el tema No Cars Go que ya aparecía en su Ep de debut, aunque creo que ha sido mejorada y re-grabada de nuevo. Es una gran canción y cuando la tocan en concierto es todo un himno, con ese “Eh” que incita a todo el público a gritarlo. Lo que quizás me gusta tanto de este nuevo trabajo es que se han utilizado todo tipo de instrumentos, como por ejemplo esas trompetas tan mexicanas en Ocean of Noise. Black Mirror es el tema inicial, una gran inyección de fuerza e iniciativa. Y el final del disco es sino el más espectacular. De nuevo, esa rever de iglesia junto a ese órgano (pieza clave en todo el álbum) dan la base de My Body Is a Cage un gran final simple pero efectivo de un disco merecedor de 5 estrellas, como su antecesor.

Una de las curiosidades que más me han interesado sobre la grabación del nuevo trabajo, es que han contado con la visión del gran productor Bob Johnston. Cuyo trabajos en las grabaciones del “Blonde On Blonde” y “Highway 61 Revisited” de Bob Dylan, los discos de “At Folsom Prision” y “At San Quentin” de Johnny Cash, discos de Leonard Cohen, Simon And Garfunkel,… a Win Butler le impresionaron bastante y decidió llamarle para ejercer el rol de consejero de la banda. Estoy seguro que su toque mágico habrá servido para ayudarles a definir un poco los modos clásicos de grabación que impulsó en las grabaciones con Dylan.

En conjunto, Arcade Fire han desatado una especie de religión al alcance de todos y cada uno de sus seguidores. Sus ceremonias son seguidas con constantes “Sold Out” a las puertas de cada una de las “iglesias” que van visitando. Y su discurso es siempre jovial y festivo. Pretenden forzar las gargantas de sus feligreses con sus diferentes cantos, bendecidos por ese reverendo llamado Win Butler. Cantemos todos un grande Halleluya!

Si Taxi (DiscMedi, 2004) fue un viaje por el espacio y acabó considerado como uno de los mejores discos del año (sobre todo para un servidor), Batiscafo katiuscas (DiscMedi, 2006) es un viaje por las profundidades de uno mismo, rebuscando en el interior para después cantarlo a los cuatro vientos. Joan Miquel Oliver, cosmonauta-compositor de la banda, es capaz de expresar, a su manera, el enfoque que tiene de la vida, de sus sentimientos, siempre desde un punto de vista cotidiano.

El título del disco es también el título del segundo corte. Después de la pequeña y minimalista introducción de Play, Batiscafo katiuscas es la gran canción que nos habla del catedrático Yuri Puscas, dentro de su submarino monoplaza. La soledad, la tristeza y la melancolía son quizás las sensaciones más intensas que transmite la canción, al más puro estilo Pink Floyd. Wa Yeah! tiene ese sonido clásico y ochentero que ha impregnado, esta vez con mayor intensidad, el quinto trabajo de Antònia Font. Encontramos relativos injertos de alegría y muchas ganas de salir a la pista de baile. “Es divertido componer”, sugiere Oliver entre líneas. Amazones a sa lluna es un tema que entra muy pausado y solitario y que se convierte en una suma de sonidos excitantes.

Darrera una revista tiene una de las mejores melodías y un ritmo que engancha desde la primera toma de contacto. Es en estas canciones donde se puede percibir lo grandes que llegan a ser estos mallorquines. Se divierten con juguetes sonoros, teclados que revelan su importancia manteniendo el tipo y unas letras costumbristas en el apartado lírico. Lo mejor de Love song es, sin duda, el final, con esos coros “nanana nanana” tan pegadizos. Al igual que Nata, donde también nos encontramos una catarsis frenética, aunque en esta ocasión en un tema muy bailable, muy funky y muy discotequero. El protagonista de Mecanismes es sin duda Pau Debon, que desgarra su voz de menos a más repitiendo una y otra vez “Tots es mecanismes“. Acto seguido nos encontramos con Tonto, una improvisación (según ellos) sobre un texto de Julio Cortázar, que realmente impresiona la primera vez.

Finalizando el álbum nos encontramos con Bamboo, la nana del disco y la pieza más bonita del mismo, que destaca por la belleza de su letra (“tiramisú, cocos y mousse de yogur”). Todo ternura, si no fuera porque los personajes de la historia son unos simpáticos tiburones. Pero si pensamos que lo bello había terminado, Replay nos saca de dudas. Pieza instrumental, con la magnífica melodía de Batiscafo katiuscas interpretada por unos galantes instrumentos de cuerda, que nos recuerdan que estamos solos en el submarino y que las burbujas que tenemos alrededor no son más que pequeños obstáculos que debemos saltar.

A bordo de este batiscafo, Antònia Font se han reinventado nuevamente, mostrando su gran talento y avisando de que lo van a seguir haciendo a lo largo de su carrera. Es por eso que desde hace tiempo en nuestro mapa tenemos puesta una chincheta sobre Mallorca, recordándonos que hay que seguirles la pista disco a disco. Su espíritu cosmonauta siempre tendrá nuestra atención.