Hoy es el día R. El día en que Radiohead empieza a enviar los códigos de acceso para la descarga de su último disco. In Rainbows seguramente es uno de los discos más esperados del año y espero, uno de los mejores. Yo ya estoy escuchándolo, me reservo la palabra de fan para cuando lo haya digerido mejor. Recordad que el disco se puede descargar al precio que creas oportuno. Como si fuera… la voluntad. Hablé del lanzamiento del disco el 1 de Octubre (cuando salió la noticia) en este post.

Los arcoiris de Radiohead por fin se pueden escuchar. Uno de los discos que más ganas tenia de escuchar. Ahora, para rematarlo bien, me gustaría que se pasaran por Barcelona para darnos un buen concierto, o dos! xD.

Enlace relacionado: Nuevo disco de Radiohead – In Rainbows

Si, una gran noticia (al menos para mi). Radiohead ha desvelado que su séptimo disco saldrá al mercado este 2007. El disco se llamará In Rainbows (en arcoiris). Una de las cosas que llaman la atención es la manera de promocionar el disco. Como muchos sabéis, Radiohead están sin discográfica desde su último disco Hail To The Tief. Pues bien, si hace unos meses se confirmó que no sacarían el disco hasta primeros del 2008, ahora han decidido ponerlo al mercado este mismo año. Como? Pues vía internet. Esto es lo que ha comentado Johnny Greenwood (guitarrista) en su web oficial:

Hello everyone.
Well, the new album is finished, and it’s coming out in 10 days;
We’ve called it In Rainbows.
Love from us all.

Jonny

Estará disponible en dos formatos: la descarga digital (mp3) y en un pack que tendrá una edición en CD y una edición en Vinilo. La descarga digital solamente incluirá el disco, se podrá adquirir a partir del 10 de Octubre (o sea, ya mismo!!). Pero el formato físico (por asi decirlo) contendrá canciones nuevas (no disponibles en descarga digital), fotografías digitales, un artwork, … Si optamos por la versión física del disco también obtendremos un código para bajarnos la versión digital. Todo esto por tan solo 40 libras, o lo que es lo mismo, 57 euros. Un poco caro, pero tenemos los gastos de envío incluidos.

Lo que está claro que esta forma de promocionar un disco puede ser rompedora. Radiohead la pueden liar con lo que están haciendo. Es un modelo que de momento no ha usado ningún grupo “grande”. Revolucionarán el mercado discográfico si tienen éxito y estoy seguro que serán copiados si eso sale bien. De una forma u otra al menos ya han ganado que no se haya pirateado/filtrado el disco a la red. Aunque a partir del 10 de Octubre estoy seguro que será subido a miles de las redes P2P. Radiohead vuelven de una manera muy peculiar. ¿Ganarán o perderán con está estrategia? El tiempo lo dirá.

Actualización: Yo creo que me compraré la versión del disco físico. Una cosa si tengo clara, el 10 de Octubre pienso estar escuchando los nuevos temas, sea como sea.

CD 1 (versión descarga digital y versión física)
15 STEP
BODYSNATCHERS
NUDE
WEIRD FISHES/ARPEGGI
ALL I NEED
FAUST ARP
RECKONER
HOUSE OF CARDS
JIGSAW FALLING INTO PLACE
VIDEOTAPECD 2 (solamente en la versión física)MK 1
DOWN IS THE NEW UP
GO SLOWLY
MK 2
LAST FLOWERS
UP ON THE LADDER
BANGERS AND MASH
4 MINUTE WARNING

Web Oficial del disco: In Rainbows

Tras tres años sin publicar, la musa del rock inglés, Polly Jean Harvey, vuelve con un nuevo álbum. Rodeada de sus colaboradores habituales, como Flood y John Parish a la producción, también ha contado con la participación del gran Jim White (Dirty Three) y de Eric Drew Feldman (Captain Beefhart). White chalk (Island, 2007) es el séptimo trabajo de su carrera y, una vez mas, una nueva transformación musical que nos sorprende agradablemente. Aunque tenemos que avisar que su escucha puede provocar estadios de tristeza si nos encontramos bajos de ánimo.

Dicho esto, lo primero con que nos encontramos en este viaje es un cambio de registro inesperado. PJ aparca sus guitarras y se sienta delante de viejos pianos para susurrarnos con su extraordinaria voz. Canciones que de primeras nos parecen muy simples, limpias, pero que albergan pequeños arreglos que las hacen profundas e intensas. Aunque hay pequeñas dosis de guitarra en el disco, como por ejemplo en la propia white chalk que da titulo al disco, en la que también nos encontraremos con un banjo.

Líricamente nos baja la moral contándonos cómo la muerte, la soledad, los corazones rotos y la tristeza se apoderan de sus pensamientos y vivencias. Es difícil destacar un par de temas, pues la homogeneidad de la grabación hace que se valore más el conjunto. Aun así hay una pieza clave, The devil, con la que abre las puertas de su nuevo trabajo. Los agudos de su voz dejarán a mas de uno atrapado para todo el disco. Y si en White Chalk hace alusión al asunto del aborto con esta escalofriante línea “The unborn child in me”, con To talk to you nos vuelve a sacudir al escuchar “Oh grandmother, I’m so lonely / all of my life”. Grow grow grow suena fantasmagórica, como si tuviéramos multitud de espíritus sobrevolando nuestras cabezas y para cerrar el álbum la melodía de The mountain nos evoca el grito de unas águilas sobrevolando montañas. Once temas que se nos pasarán en un suspiro, pues en total apenas superan la media hora de duración.

Si en su primerizo Dry (To Pure, 1989) la rabia se convierte en su principal aliado, en este White chalk la pena es quizás la compañía predominante, junto con el remordimiento y la tristeza. ¿Se nos hace mayor PJ? Y es que el dolor y la tristeza son sentimientos que en esta vida nos acompañan y cada cierto tiempo nos sacuden para recordarnos que los llevamos siempre con nosotros. Pero ahora es tiempo de disfrutar del disco, aunque pensando en el futuro, ¿cómo será el próximo? Quién sabe, pero seguro que volverá a sorprendernos.

Esta lista, esta pensada para ser una mera introducción al Jazz. Ha sido elaborada por la web Columbus Dispatch y en mi modesta opinión, no están todos los que tendrían que estar pero es una buena manera para iniciarse al Jazz. “Ragtime, Dixieland and swing, Big band, bebop and hard bop, Latin jazz, cool jazz and free jazz” son algunos de los sub-géneros que podemos encontrar en el Jazz. La lista en cuestión comienza en el 1926 y finaliza en 1985.

La lista no pretende ser calificada como los mejores, sino una mera colección de álbumes que han considerado claves para una buena iniciación al Jazz. Yo no se si lo he contado alguna vez, pero ultimamente suelo ponerme algun disco de Jazz los sábados por la mañana si me despierto medio-temprano. Aunque ultimamente, por diferentes razones, o no me he levantado temprano o he estado fuera. Pero sin duda que es para mi, un buen momento para escuchar Jazz.

Os dejo con la lista, incluidos los comentarios en ingles, que creo que puede ser interesante para quien desconozca el género y quiera una introducción básica:

• East St. Louis Toodle-Oo , Duke Ellington (1926): This is early Ellington, but the trademarks are already in place: the moody, almost-eerie melody; the striking solos; and, primarily, the lush soundscapes that no other ensemble ever quite duplicated.

• Potato Head Blues , Louis Armstrong (1927): Armstrong had been playing professionally for a decade by the time he made his celebrated recordings with his “Hot Five” and “Hot Seven” groups, from which this cut is taken. Satchmo took a standard blues and, leading with his impeccable solos, turned it into what we think of as jazz. If it sounds familiar, it’s because Armstrong made it so.

• Sing, Sing Sing (With a Swing ), Benny Goodman (1937): One of the pure zestful joys of jazz. Echoes of this performance by the Benny Goodman Sextet can be heard down to the “swing revival” of Big Bad Voodoo Daddy and similar bands of the 1990s.

• Body and Soul , Coleman Hawkins (1939): Hawkins did more than anyone else to push the saxophone to the front stage of jazz. The full range of his talents, from smooth balladeer to forceful honker, can be found here, in one of the biggest hits of jazz.

• Lester Leaps In , Count Basie (1939): Basie’s small orchestra from the 1930s embodied swing; this song captures it at a high point. “Lester” refers to Lester Young, the tenor saxophonist whose solo pops out of the groove.

• Black, Brown & Beige , Duke Ellington (1943): The piece, lasting 48 minutes, remains one of the genre’s most ambitious works. Though less accessible than much of Ellington’s other works, it took jazz to a place it had rarely been: the concert hall.

• Salt Peanuts , Dizzy Gillespie, Charlie Parker (1945): Gillespie, Parker and others revolutionized jazz with bebop, the rapid-fire, rhythmically dynamic small-group slugfests. Rarely was it played with such sheer exuberance as it is here.

• KoKo , Charlie Parker (1945): A bebop landmark that showcases why Parker is so famous: the flurry of notes punctuated by unconventional breaks that turn a melody into a pretzel.

• Four Brothers , Woody Herman (1947): One of the best big bands to survive World War II was Herman’s, which updated the lyricism of earlier big bands with bebop rhythms and tones. This is Herman’s “Second Herd,” featuring tenor saxophonists Stan Getz, Zoot Sims and Herbie Steward.

• Manteca , Dizzy Gillespie (1947): This may not have been the first effort to blend Afro-Cuban rhythms with American jazz, but it was one of the first to popularize the sound — and certainly one of the first to do it with such fun. It foreshadowed the cross-pollination of so much of jazz in the 1960s on.

• Straight No Chaser , Thelonious Monk (1951): Monk is known as a bop pianist, but his highly individualized compositions and piano playing don’t conform easily to any genre. One of his more accessible and bouncy tunes still displays his idiosyncratic moodiness.

• Doodlin’ , Horace Silver (1954): Silver was a hard-bop pioneer as well as a gifted composer of accessible numbers that pioneered the “groove-funk-soul-jazz” movement of the 1950s and ’60s. This is Silver at his boppin’ best, helped along by a top-notch Blue Note band, including Art Blakey on drums and Hank Mobley on sax.

• St. Thomas , Sonny Rollins (1957): Rollins’ muscular, innovative improvisation is displayed on so many great recordings from the 1950s that it’s hard to pick a bad one. But this cut from the Saxophone Colossus album illustrates why some consider him the best tenor saxophonist of the past 50 years.

• Moanin , Art Blakey (1958): When jazz lovers talk about the “Blue Note” or “hard bop” sound that shaped so much of modern jazz, this is what they mean. Propulsive, melodic, bluesy and eminently listenable.

• So What? Miles Davis (1959): Davis helped usher in so many styles that singling out any tune seems absurd. But this beautifully bouncing opening cut from Kind of Blue is as good a start as any. The album, with its all-star lineup, is famous for basing improvisation on scales instead of chords. But listeners don’t care; they’re just swept along by the gentle swing and lyricism of Davis’ playing.

• Giant Steps , John Coltrane (1959): His beautiful ballads? His honking free-form work? His hard-bop tunes? His deep spirituals? So much music in so brief a time. This outing captures his technical and compositional skills in abundance and hints of the intense individualism of his later work.

• Lonely Woman , Ornette Coleman (1959): Love it or hate it, there’s no denying that free jazz has been a force in the jazz world. This opening cut from his landmark album The Shape of Things To Come paved the way, as Coleman abandons harmony in favor of a wailing free-for-all.

• Take Five , Dave Brubeck Quartet (1959): Brubeck’s most famous record, and for good reason. It epitomizes his quartet’s unconventional rhythms and flair for melody. Brubeck’s piano propels the tune, but it’s Paul Desmond’s soaring alto saxophone that really makes this one stick.

• Spanish Key , Miles Davis (1969): Crashing drums, strumming guitar, funky bass — welcome to fusion, courtesy of Davis. This is the “single” (that’s right) from Davis’ legendarily controversial Bitches Brew album, which blended rock and jazz into a freewheeling stew and helped launch the careers of about every major leader of 1970s jazz-rock.

• J Mood , Wynton Marsalis (1985): Marsalis received plenty of criticism for leading the “back-to-basics” jazz movement, but, as this recording demonstrates, his talent couldn’t be challenged.

El nuevo de Animal Collective, titulado Strawberry Jam, ya ha sido visto por la red. Cuando digo visto, me refiero a escuchado, como no. Yo ya lo he escuchado una vez. No voy a hacer valoraciones, pues aún me faltan muchas escuchas para valorarlo más objetivamente. Pero una cosa está clara. Si te gustó Feels (2006), Strawberry Jam (2007) estoy casi seguro que gustará. De momento, ya hay una canción que me tiene robada la oreja y que no paro de escuchar. Fireworks es una tema de esos que engancha, casi como lo hizo en su día Glass. Pero en este nuevo álbum, también hay otros “temazos” como #1. Espero poder digerirlo mejor, pero a mi el disco me ha entrado muy bien. Le tengo buenas vibraciones. Y si un disco te entra bien a la primera es buena señal.

Este año 2007, estamos teniendo grandes discos. ¿Ocurrirá como el 1997? Han pasado ya 10 años de esa cosecha, esperemos que esta nueva cosecha musical sea tan beneficiosa como lo fue aquel 97.

Hace unos años, allá por 2002, una banda surgió de Nueva York con uno de los mejores debut de ese año. Su sonido extraído del disco Turn On The Bright Lights (Matador, 2002) y su estética encima del escenario nos hacían recordar mucho a la banda de Ian Curtis (Joy Division). En ese momento, esa referencia que salia en cada crítica dotaba a la nueva banda prestigio antes de escuchar un solo tema. Pero claro, era después, cuando uno se ponía a degustar el disco que entendía lo que muchos escribían. Y es que esa similitud estaba por todas partes. La voz de Kessler era muy similar en registros a la de Curtis, y la estética que lucen encima del escenario (todos con trajes) evocaba a esos años mágicos que se vivieron en Manchester.

Si el primer disco fue clasificado como uno de los mejores debut del año, el segundo, Antics (Matador, 2004), fue también adorado por la crítica e incluido en muchas de las listas típicas de lo mejor del año (véase el tercer puesto que le dio AltaFidelidad.org). El caso es que la banda de Nueva York se ha ganado una reputación de calidad en cada uno de los discos que ha sacado al mercado. Y es por eso que ante la salida de un nuevo álbum, todo seguidor del grupo se ponga ansioso por escucharlo.

Abriendo el disco nos encontramos con Pioneer to the falls. Una excelente manera de empezar. Recordemos que Interpol siempre se ha caracterizado por tener una buena apertura en sus tres discos publicados hasta la fecha. Estas nuevas grabaciones son quizás menos abiertas que Antics y son tan oscuras como su disco debut. Singles rompedores hay más bien pocos, The Heinrich Maneuver es quizás la más pegadiza y la candidata en sonar bastante en las radios y en los clubs. Aunque personalmente no la encuentro de las mejores, aunque tenga unas guitarras guerreras. Y es quizás esa característica que hace que el disco contenga mucho ritmo, puede que un tanto veloz, tal y como nos tenían acostumbrados. Mammoth es un claro ejemplo. Y es que hasta Pace Is The Trick no bajan un poco el ritmo. Los riffs de guitarra en All Fired Up y su pegadiza y repetitiva letra enganchan desde su primera escucha. Y después de este tema nos encontramos con lo mejor del álbum. No es otra que Rest My Chemestry. Una de sus mejores composiciones, con una letra muy intensa, muy cercana a lo que ha significado el rock en su historia. Y para cerrar, los chicos de Nueva York lo hacen con mucha clase, esta vez han encontrado una manera casi celestial (por así decirlo) para hacerlo. La canción que cierra es Lighthouse, preciosa en todos los sentidos. Una primera parte con apenas unas guitarras rasgando acordes y cuando crees que va a terminarse el tema, una parte final de unos cuantos compases con la resurgida banda al completo.

En definitiva, lo que si podemos decir rotundamente y sin ningún miedo a meter la pata es que Interpol han firmado a lo largo de su carrera tres discos sensacionales. Y que con este nuevo, han asentado raíces con su estilo ya reconocible y han marcado una ruta a seguir. Esperemos que sigan iluminando con su música y nos sigan sorprendiendo disco tras disco. Aquí estaremos para disfrutarlo.

Hablar de Chris Cornell es algo que me gusta mucho. Su voz me cautivó cuando escuché por primera vez a Soundgarden en el instituto, hace mil años. Por aquel entonces escuchaba mucho rock, recuerdo que era la época de Nirvana, Pearl Jam, Rage Againts The Machine … incluso los Smashing Pumpkins sonaban en mi walkman (¿alguien se acuerda de los insuperables reproductores de Sony?). Pasaron los años y me fui interesando por otras cosas. Pero siempre con una oreja pendiente de lo que hacían ciertos grupos. Y ese fue el caso de como seguí la carrera de Chris Cornell. Cuando supe que se juntaría con el gran Tom Morello y el resto de integrantes de los Rage Againts The Machine para formar uno de esos super-grupos no me lo podía creer. ¿Como sonará esa voz tan inconfundible con ese inconfundible guitarrista? Pues bien Audioslave (ese es el grupo que les unió) sacaron unos discos estupendos. Pero antes de eso Cornell ya publicó algo en solitario, como por ejemplo el brillante Euphoria Morning (Interscope, 1999) y se juntó con los miembros que quedaron huerfanos de Mother Love Bone para formar un grupo al que llamarían Temple of the Dog y al que pedirían que Cornell se les uniera para poner su voz.

Pues bien, después de la disolución de Audisoslave (o más bien se toman un respiro), Cornell que no se puede estar quieto saca al mercado Carry On (Interscope, 2007). Un disco del que aún estoy en el proceso de asimilación y del que he escuchado tan solo un par de veces. Pero la primera impresión es que los 14 temas (+ un bonus track) que componen el álbum se destila buen hacer (como es siempre habitual en Cornell) y cosas realmente muy interesantes. Aunque me gusta mucho más la segunda parte del disco que la primera. A partir de la versión que se casca a Billy Jean el disco gana mucho en la calidad de los temas. Silence The Voices es una de las que más me gustan, o incluso el tema de la banda sonora de Casino Royale, You Know My Name de la que solo recuerdo cuando visioné el film. El single rockero No Such Thing no me entusiasma demasiado, aunque a copia de escucharlo no resulta tan simple. En definitiva y a la espera de profundizar más en el álbum me quedo con un buen sabor de boca. Siempre seguiremos la voz de Cornell allá donde esté.

Boxer (Beggars Banquet, 2007) es el nuevo disco de la banda The National. Uno de los discos que hay que tener en cuenta des de el mismo momento que estas leyendo esta crítica. Si no conoces nada sobre la banda, es un buen momento para ponerse manos a la obra. Su anterior disco, y del que dicen que es su mejor álbum hasta la fecha, titulado Alligator (Beggars Banquet, 2005) logró quedar en merecidos puestos en las listas de lo mejor del año. Ese disco fue adorado por varias revistas y su buena crítica hizo que la gente empezara a conocer a la banda. Anterior a ese disco la banda ya había sacado al mercado dos álbums, The National (2001) y Sad Songs For Dirty Lovers (2003).

Este último disco siguen demostrando su pericia por crear canciones que enamoran con tan solo una escucha. La voz de Matt Berninger, muy cercana a grandes voces como la de Nick Cave, vuelve a dar una lección de lirismo en cada uno de los temas del disco. El grupo, a parte del ya nombrado, lo forman Aaron Dessner (bajo) y su hermano Bryce (guitarra), y la otra pareja de hermanos Bryan (batería) y Scout Devendorf (guitarra).

De las nuevas canciones quizás destacaría la primera, que abre el disco y que me tiene casi obsesionado por su belleza, Fake Empire que ya comenté en el Top5 de Junio. Otra que me encanta es Squalor Victoria con un ritmo contundente y que es cercana a la banda Interpol. Slow Show o Start a war tiene elementos que los situaríamos rápidamente a Tindersticks, esas guitarras acústicas constantes y la integración de los diferentes instrumentos poco a poco hacen que las dos canciones sean realmente bellas. En este nuevo disco también han cuidado mucho la orquestación, que sin ser un elemento destacada se comportan muy bien en segundo plano como en el caso de Racing Like A Pro. En definitiva, un buen conjunto de buenas canciones que son todas ellas una delicia. Disco destacado de este año, quizás uno de los mejores.

Hace ya algún tiempo me cayó en mis manos este precioso EP de los Explosions In The Sky. Ya he comentado en el blog mi pequeña obsesión por su música, que es cercana al post-rock, pero con unas melodías muy trabajadas. Es música instrumental y va muy bien para evadirte en cualquier momento. En casa, cuando pongo su música, a veces me pongo a pensar y me puedo pasar perfectamente todo el disco en ese “limbo” improvisado. Pues bien, este EP consta de 8 canciones, bueno mejor decirlo de otra forma, de ocho días. Ya que cada tema se titula como si de un viaje se tratara y empezásemos con el día uno. De hecho fue así como lo grabaron, dicen que entraron al estudio sin ningún tema preparado y que cada día grababan una canción. Así fue como surgió este EP. Y de esta forma cada tema podemos tomárnoslo como si fuera una pequeña aventura, una nueva experiencia. Todo el EP (ojo porque dura 32 min.) tiene un nivel altísimo y todas las pistas son de excelente calidad. Es mi disco favorito de los Explosions In The Sky, quizás sea por esa frescura que se intuye. Pues nada, aquí os dejo con esta recomendación. Fue una pena muy grande que cancelaran su actuación en el pasado Primavera Sound 2007 (pronto escribiré un pequeño comentario sobre como estuvo). Y es que ha sido hoy, después de tantos días de conciertos que me he acordado de la cancelación. No me puedo imaginar como hubiera sido su concierto…

Explosions In The Sky – The Rescue

1. Day One 04:32
2. Day Two 03:47
3. Day Three 04:34
4. Day Four 03:00
5. Day Five 04:35
6. Day Six 5:18
7. Day Seven 04:23
8. Day Eight 02:35

Released: October 11, 2005